Né à Minneapolis, Tom Arndt s'est attaché à photographier son Minnesota natal. S'inscrivant dans la grande tradition de la photographie documentaire américaine, il nous livre un album de famille : ses habitants, ses rues, ses vitrines, ses comptoirs de café, ses parcs, ses grands évènements populaires, avec une très grande empathie et une grande dignité. Le misérabilisme n'y a pas sa place. Comme le souligne son ami et écrivain, Garrison Keillor, Tom Arndt photographie "l'ADN de la culture du Minnesota, c'est-à-dire les pauvres et les exclus".

Très attaché à l'argentique, Arndt nous livre des tirages d'une exceptionnelle beauté. Amoureux des papiers photographiques, il ne peut concevoir une journée sans passer plusieurs heures dans son laboratoire.

Arndt a obtenu une licence en beaux-arts au Minneapolis College of Art and Design (1968) et a fait des études supérieures à l'université du Minnesota (1969-1971). Ses photographies ont été exposées au Walker Art Center de Minneapolis, au Museum of Modern Art de New York, au Minneapolis Institute of Art, au Minneapolis College of Art and Design et dans d'autres institutions. Ses œuvres font partie des collections permanentes de l'Art Institute of Chicago, du Museum of Modern Art, New York, du San Francisco Museum of Modern Art, de la George Eastman House, Rochester, New York, du Los Angeles County Museum of Art et du Walker Art Center, Minneapolis.

Né en 1964 à Marseille, Jean-Christophe Béchet vit et travaille depuis 1990 à Paris. Il a auparavant suivi des études d'économie (Aix-en-Provence, 1982-1985), puis de photographie (Arles, 1985-1988) avant de séjourner et de voyager deux ans en Afrique de l'Ouest (1988-1990) Mélant noir et blanc et couleur, argentique et numérique, 24×36 et moyen format, polaroids et « accidents » photographiques, Jean-Christophe Béchet cherche pour chaque projet le « bon outil » , celui qui lui permettra de faire dialoguer de façon pertinente une interprétation du réel et une matière photographique. Héritier de la « photo de rue », qu'elle soit américaine, française ou japonaise, il a choisi de ne pas abandonner le terrain du « document subjectif » , associant reportage et paysage, portrait et architecture. Se méfiant des séries fermées sur elles-mêmes, il cherche dans chaque projet à révéler une spécificité photographique. Son regard sur le monde se construit livre par livre, l'espace de la page imprimée étant son terrain d'expression « naturel ». La place de l'homme dans le paysage contemporain, urbain comme naturel, est au centre de ses préoccupations. Il poursuit en ce moment un travail sur les grands villes européennes, asiatiques et américaines et développe en parallèle plusieurs séries sur les territoires de Haute Montagne.

Pierre Boucher débute comme dessinateur au service publicité des magasins du Printemps puis entre à l?atelier Tolmer (dirigé par Claude Tolmer et Alexey Brodovich qui y fait ses classes de 1926 à 1927).
Cette Maison, spécialisée dans les domaines de la publicité  pour des entreprises liées au monde du luxe et de la mode ( Piguet, Lelong, Molyneux, Patou) intègre un atelier de graphisme dans lequel Pierre Boucher travaille de 1927 à 1928 et un atelier de photographie, où Jean Moral travaille de 1928 à 1932. Jean Moral y exerce le dessin et la photographie et sensibilisera Pierre Boucher à la photographie.
C?est entre 1928 et 1930, durant son service militaire, que Pierre Boucher apprend la photographie au service photographique de l?armée de l?air.
Pierre Boucher, plus sensible aux graphismes peut-être à cause de ses débuts au studio Tolmer ,conservera ce goût du photomontage et de la recomposition de l?image. Ses photographies vont de l?expérimentation à la photographie documentaire en passant par le photo-graphisme, la photo industrielle, le reportage et le nu.
Ce photographe est certainement le plus poreux aux divers courants. Sa collaboration avec René Zuber, sensible à l?esthétique du Bauhaus, l?engagera sur la voix de la Nouvelle Objectivité, tandis que son travail sur le nu s?oriente vers la fantasmagorie.
« Pierre Boucher, comme Man Ray, est avant tout dessinateur. Il nous étonne par une extrême richesse d?idées, une fantaisie débordante, un goût original et sûr. La photographie est pour lui un deuxième moyen d?exprimer la pensée d?art que son crayon a déjà ébauchée. »

Sébastien Camboulive aime  jouer avec les ambiguïtés. Rien n'est plus lassant pour lui qu'un travail photographique qui se  donne immédiatement. Ses images produites nous donnent toujours un sentiment paradoxal que l'on soit face à ses travaux comme Spirale ou  La Limite Pluie Neige ou face à ses séries, Ceux du Plateau ou La Ronde.

Il y poursuit toujours son exploration sur les territoires de la représentation. Mais c'est aujourd'hui autour du portrait qu'il concentre ses recherches. À travers une déconstruction des procédures photographiques, Sébastien Camboulive contraint le spectateur à s'interroger sur sa propre relation au réel.

Alexis Cordesse (Paris, 1971) est un photographe dont le travail avec l’image est souvent associé à un travail avec les mots ou le son pour produire des objets hybrides qui explorent la part de manque des images et leur relation au récit historique.
D’abord photoreporter,  couvre les conflits majeurs de l’après guerre-froide. Ses photographies sont publiées dans la presse française et étrangère, exposées au festival Visa pour l’Image (1992). Il participe au premier World Press Master Class (1995). À partir du milieu des années 90, sa pratique s’éloigne du photoreportage. Il retourne sur les terrains de l’actualité (Rwanda, Palestine, Syrie,…) avec d’autres exigences éthiques et plastiques pour proposer des formes susceptibles de traduire une autre réalité que celle qui nous parvient généralement par le biais des médias. Sa démarche se nourrit d’une réflexion sur la responsabilité des images et l’éthique du témoignage.
Ses travaux ont été présentés à la Dokumenta XI à Kassel (2002), à l’ICP à New York (2003), à Paris lors du Mois de la Photo (2010 & 2017), au Louvre dans le cadre de l’exposition Une brève histoire de l’avenir (2015). Ils sont présents dans de nombreuses collections publiques et privées, dont le Fonds national d’art contemporain, le FRAC Auvergne, le musée Nicéphore Niépce, la Bibliothèque nationale de France, la collection Neuflize Vie ABN AMRO. Le court-métrage Itsembatsemba a reçu, en 1997, le Merit Winner au San Francisco International Film Festival, ainsi que la mention spéciale au Festival du cinéma documentaire de Bilbao la même année. Alexis a reçu le Prix Lucien & Rodolf Hervé en 2010, le Prix Arcimboldo, en 2011, pour son projet Borderlines.

Formée à l?école de photographie EFET, Marion Dubier-Clark se perfectionne dans l?art du portrait et du paysage à travers divers voyages notamment aux Etats-Unis.
Elle réalise des tirages Fine Art pour la BNF, expose dans plusieurs galeries à Paris et collabore avec divers magazines. En 2009, elle auto-édite et distribue un premier livre ?100 Polaroids?. Après le succès de cette première expérience, elle auto-édite à nouveau en 2011 : ?Polaroids / From New York to New Orleans? et en 2012 « From San Francisco to Los Angeles» présentant ses impressions de voyage à travers les USA. En septembre 2013, elle est exposée à Tokyo. En 2014, elle devient ambassadrice Fuji.

Les photographies ont été réalisées dans le Nord, la Somme et le Pas-de-Calais où se sont déroulés la plupart des affrontements lors de la première guerre mondiale. L'intérêt d'Aymeric Fouquez pour les cimetières érigés appartenant aux anciens pays belligérants s'est porté sur leur incursion dans la campagne française. Le photographe nous invite à une réflexion sur le paysage, à savoir comment s'inscrivent ces territoires, presque un siècle plus tard sur le territoire souvent hostile des grandes plaines agro-industrielles du Nord de la France.

Née à Brooklyn, Arlene Gottfried est diplômée du Fashion Institute of Technology à New York. Elle commença sa carrière comme photographe dans une agence de publicité, avant de travailler à son compte pour des journaux prestigieux comme le Magazine du New York Times, Fortune, Life, ou encore The Independent à Londres.

C'est dans la rue qu'elle développe son travail personnel, photographiant ses amis, ses voisins, capturant le multiculturalisme du quartier de Brooklyn où elle habite. Ses photographies des années 70 et 80 témoignent d'un New York qui n'existe plus, un environnement abrupt dans lequel elle se plaît à évoluer, côtoyant des personnalités excentriques, écumant les festivals, les fêtes de quartier et par-dessus tout les défilés de toutes sortes ? la Gay Pride, la Saint Patrick, le Puerto Ricain Day, et Halloween.  Elle retourne également sur les plages de son enfance, Coney island et Brighton Beach, photographie la seule plage nudiste de New York, Riis Beach's Bay One, ainsi que les boîtes de nuit dans lesquelles, avant l'épidémie du VIH, s'exprimait une grande liberté d'expression personnelle et sexuelle. 

Elle fut notamment exposée à la galerie Leica à New York et à Tokyo, ainsi qu'à la Smithsonian Institution à Washington D.C. Ses photographies sont présentes dans les collections du Brooklyn Museum of Art, de la New York Public Library, ainsi qu'à la Maison Européenne de la Photographie à Paris. Elle reçu de nombreux prix, parmi lesquels le Berenice Abbott International Competition of Women's Documentary Photography. Elle a publié plusieurs ouvrages : Bacalaitos & Fireworks (powerHouse Books, 2011), Sometimes Overwhelming (powerHouse Books, 2008), Midnight (powerHouse Books, 2003) et The Eternal Light (Dewi Lewis Publishing, 1999). Elle a vécut et travaillé à New York jusqu'à sa mort, en 2017.

Hervé Guibert (1955-1991) était un écrivain et photographe français. Critique pour Le Monde, il est l'auteur d'une trentaine de livres, dont notamment À l'ami qui ne m'a pas sauvé la vie, qui présente un portrait intime de Michel Foucault, et a joué un rôle important dans l'évolution de l'attitude du public français face au sida. Publié pour la première fois par Régine Desforges en 1977, Hervé Guibert, qui a écrit dans le sillage de Jean Genet, Hermann Ungar et Thomas Bernhard, a également produit un important corpus de photographies, qui a été exposé en 2011 dans le cadre d'une rétrospective de la Maison européenne de la photographie.

Dans L'image fantôme, dont le sujet est la photographie et dans lequel aucune photographie n'apparaît, Guibert propose un regard singulier sur cette forme d'art. La pudeur ou l'impudeur, le seul film de Guibert, suit en détail les derniers mois de sa vie. Hervé Guibert meurt à l'âge de 36 ans à Paris. Son journal, Le mausolée des amants, qui couvre les quinze dernières années de sa vie, a été publié à titre posthume.

Il est difficile d'imaginer aujourd'hui, à l'heure du numérique, le nombre de photographes qui le sont devenus, grâce à la découverte du travail d'Ernst Haas. Ses ouvrages étaient les livres de chevet de toute une génération. Ses expériences sur la couleur, sur le mouvement soulevaient l'enthousiasme... On l'a oublié, mais les films couleur étaient difficiles à manier. Nous sommes en 1952, à des années-lumière, quand le magazine américain, Life, lui demande de travailler en couleur sur New York. À l'exception de Capa, chez Magnum, personne ne comprend pourquoi il expérimente la couleur. Seul, le noir et blanc a droit de cité. Mais Ernst Haas n'en a cure. Pour mieux comprendre cette aventure très singulière, il faut la remplacer dans son contexte historique. Haas, né en 1921, de famille juive a vécu le trauma de la seconde guerre mondiale. Puis, il émigre aux États-Unis en 1951 dans un pays, dont il rêvait, gamin. Un homme optimiste, sans aucune stratégie professionnelle, n'ayant jamais rien demandé à personne. Un homme libre.

Fulgurance. C'est le premier mot qui vient à l'esprit quand on songe à Rodolf Hervé (1957-2000). Fulgurance de par la relative brièveté de son existence. Et surtout fulgurance de son ?uvre. A une époque ?milieu des années 1980 jusqu'au milieu des années 1990- où la photo numérique n'existait pas encore, il n'est pas anodin que Rodolf Hervé ait choisi le polaroïd. Par urgence. Urgence de s'approprier et de transformer son espace. Polaroïd sur lequel il peut intervenir comme un peintre sur sa toile. Car Rodolf Hervé est tout autant peintre, musicien, vidéaste que photographe.

Lorsque Sid Kaplan était un gamin de dix ans dans le sud du Bronx, il se rappelle s’être retrouvé « hypnotisé, attiré comme par une drogue » en voyant pour la première fois une image prendre forme dans le révélateur.

Après avoir bouclé ses études à l’école des arts industriels de Manhattan (un centre de formation qui a fermé ses portes en 1959 ou 1960), Sid Kaplan enchaîna les petits boulots précaires dans le monde de la photographie de 1956 à 1962. « C’était l’occasion rêvée d’apprendre, d’affiner et de pratiquer mes compétences tout en étant payé, » déclare-t-il. Au bout de quelques années, il finit par décrocher un poste en tirage noir-et-blanc chez Compo, le labo photo le plus prestigieux de Manhattan (dans la 41e rue, entre 7th Avenue et 8th Avenue), célèbre pour avoir réalisé les tirages de l’exposition « La grande famille des hommes » (The Family of Man) d’Edward Steichen pour le MoMa en 1955.

Chez Compo, Sid Kaplan réalisa des tirages pour les plus grands photographes, dont Philippe Halsmann, Robert Capa, Weegee et la plupart des membres de Magnum. Au début de sa carrière chez Compo, il participa aux tirages de « The Family of Man ». « Je ne savais pas qu’il s’agirait de ma première grande expo et de la dernière d’Edward Steichen, » se souvient-il.

En 1968, Sid Kaplan quitta Compo pour devenir développeur indépendant. « Je passais ma vie dans la chambre noire et je ne faisais pas assez de photographie, » confie-t-il. C’est au 10 de la rue East 23 Street qu’il se construisit une chambre noire et installa sa boutique, où il réalisait des tirages « d’absolument tout ce qui passait la porte ». Pendant plusieurs années, W. Eugene Smith occupait un appartement voisin, et Ralston Crawford vivait dans le quartier. En 1969, lorsque Ralph Gibson le présenta à Robert Frank, Sid Kaplan devint son développeur, une collaboration qui se poursuit encore aujourd’hui (à l’époque, Aperture rééditait Les Américains et Robert Frank réalisait le film Conversations in Vermont). Sid Kaplan vit sa clientèle s’élargir, avec notamment Allen Ginsberg, dont il devint le voisin lorsqu’il déménagea son studio Avenue A dans l’East Village. Depuis 1972, Sid est professeur à l’école des arts visuels de New York, où il enseigne le tirage noir et blanc en chambre noire.

Cependant, ce travail de tirage en chambre noire lui a surtout permis de financer son activité de photographe. « Pour moi, la meilleure façon de pratiquer de la photographie, c’était de le faire dans son temps libre, comme Lartigue ou Stieglitz. Je n’ai jamais voulu en faire un boulot qui m’aurait mis à la merci des directeurs artistiques et des délais à respecter, je serais devenu dingue. »  En faisant des tirages pour les autres, il gagnait l’argent qui lui permettait de se consacrer à son propre travail artistique.

Les thèmes favoris de Kaplan sont le Bronx et ses amis dans les années 1950 ; les rues, parcs et habitants de New York dans les années 1960, 1970, 1980, 1990, ainsi que vingt ans d’images d’un club de Mummers à Philadelphie ; les autoroutes américaines vues par la fenêtre d’une voiture lancée à toute vitesse ; et les dernières traces de la culture juive d’Europe de l’Est du Lower East Side à New York.

Aujourd’hui, Kaplan vit, travaille et expose à New York.

Pascal Kern est né en 1952 à Paris. Il étudie à l?École des Beaux-Arts de Paris de 1970 à 1973, au sein de l?atelier de gravure, et, parallèlement, à l?Unité pédagogique d?architecture, de 1972 à 1973. En 1973, il rejoint l?université de Paris I en licence d'arts plastiques, soutient un DEA en 1978 et s?inscrit en doctorat en arts plastiques sur la « Problématique de la relation entre l?objet et la fiction ; analyse et expérimentation à partir d?une pratique personnelle ».

Dans les années soixante-dix, il arpente terrains vagues, décharges et usines abandonnées pour y ramasser des objets qu'il met ensuite en scène dans de grandes installations, sous le titre générique de « Fictions ». Ces premiers travaux sont exposés au Musée National d'Art moderne dès 1980.

À partir de 1981, Pascal Kern met en scène dans l'espace de son atelier les objets qu'il a accumulés puis les décompose sous l'objectif, révélant leurs différentes faces qu?il tire sur support photographique à partir de 1983. Mis en lumière, les objets patinés et rouillés deviennent vibrants de matière et acquièrent une dimension sculpturale, que la matérialité de l'image photographique, le choix du grand format et la présence du cadre accentuent. La photographie constitue pour Pascal Kern le moyen d'augmenter sa réflexion sur la sculpture et les rapports de cette dernière à l'espace.

Les créations du plasticien offrent au regard une certaine stabilité tout en exprimant un état de tension à travers l'alternance des pleins et des vides, du positif et du négatif. Ni sculpture, ni peinture, ni photographie, l'?uvre de Pascal Kern remet en cause nos habitudes perceptives pour nous amener à expérimenter le réel de manière inédite. Aucune définition ne convient donc pour ces images « fabriquées » qui prennent à travers notre regard, le statut d'icônes.

Vivian Maier photographia inlassablement les rues de Chicago et New York, mais son talent resta anonyme toute sa vie. Nourrice de profession, elle profita de chaque instant libre pour arpenter les rues, son Rolleiflex au cou, portant un regard aiguisé sur l’humain dans la ville et laissant des autoportraits saisissants. Elle ne montra ses photos à personne et sa récente découverte, véritable romance américaine, révèle une des photographes les plus brillantes de la street photography.
En 2007, John Maloof découvre dans une salle de vente de Chicago un lot contenant des milliers de négatifs, ainsi que des pellicules non développées et quelques tirages. Ses recherches lui permirent de découvrir que ce lot n’était qu’une partie d’un corpus qu’il rassembla en rachetant les nombreuses boîtes de négatifs, pellicules et documents. Ses recherches sur internet restent infructueuses jusqu’en 2009, lorsqu’un avis de décès est publié dans le Chicago Tribune, indiquant que Vivian Maier est décédée quelques jours plus tôt, à l’âge de 83 ans.
Vivian Maier est née en 1926 dans le Bronx d’un père austro-hongrois et d’une mère française. Elle passa son enfance avec sa mère, entre la France et les Etats-Unis. Il semble qu’une amie de sa mère, Jeanne Bertrand, photographe portraitiste, l’initiera à la photographie. Vivian Maier pris ses premiers clichés en France vers 1949 avec un Kodak Brownie, appareil simple destiné à l’amateur.
Elle retourne aux États-Unis en 1951. Elle devient nourrice et travaille pour une famille à Southampton, dans la banlieue de New York. Elle achète en 1952 un Rolleiflex, appareil moyen format couramment utilisé par les photographes de l’époque. La photographie prend alors une part de plus en plus importante de sa vie. Quittant New York pour Chicago en 1956, elle entre au service de la famille Gensburg. Elle y élève leurs trois enfants et utilise sa salle de bains pour y développer ses films. Débute alors la période la plus prolifique de l’œuvre de Maier.
En quittant les Gensburg dix-sept ans plus tard, Maier ne peut plus développer elle-même ses films. Travaillant de famille en famille, elle emporte avec elle de plus en plus de pellicules non développées et de photos non tirées. Elle photographia jusqu’à la fin des années 1990, s’essayant à la couleur. Ces pellicules resteront également non développés, tant ses soucis financiers deviennent importants. Elle stocke alors ses négatifs, pellicules et documents dans un storage. Au début des années 2000, les enfants Gensburg la prennent en charge et la logent dans un petit studio. Ses affaires sont oubliées jusqu’à ce qu’elles se retrouvent en 2007 dans une vente aux enchères pour impayés, sans qu’elle le sache. Vivian Maier décède en 2009 des suites d’une chute.
Une partie de son œuvre est cataloguée par John Maloof, reconstruisant minutieusement un vaste corpus de 143 000 négatifs auxquels s’ajoutent des films et des documents audio. Ses photographies sont exposées dans de nombreux pays. Le livre Vivian Maier : Street Photographer fut publié en 2011, suivi en 2013 par Vivian Maier : Self-portraits, puis par Vivian Maier: The Color Work en 2018. Le film « À la recherche de Vivian Maier », réalisé par John Maloof et Charlie Siskel, a été nominé pour l’oscar du meilleur documentaire en 2015.

En 1987 j'arrive à Marseille, je ne connaissais pratiquement pas " l'horizon méditerranéen ", ce fut un changement radical dans ma perception du monde. Période de déstabilisation et d'interrogation- j'entame un travail sur le littoral à Marseille, il en résulte des images floues, grises, le désir de fuir une certaine réalité. Quelques années après, je rejoins l'association Sud Image Territoire, où j'aborde " une nouvelle géographie " : le paysage et son territoire, sa transformation et son évolution, tout en alternant " Paysages et Humains ". Je reste très sensible à la question de la place de l'homme dans ces espaces. J'adopte une posture distanciée, une approche du réel, pour montrer la tension et le vide, voir la perte. Photographier, pour moi c'est une façon de penser, de vivre, et de se remettre en question.

André Mérian, 2004

Ray K. Metzker tient une place singulière dans l'histoire de la photographie américaine. Son oeuvre exclusivement en noir et blanc, présente dans les plus grandes institutions, est tout à fait représentative de toute une génération de photographes pour lesquels l'expérimentation est le maître mot. Né en 1931, ses études à l'Institute of Design à Chicago l'influencent profondément. Pendant plus de cinquante ans, il ne cesse d'inventer, souvent dans sa chambre noire, guidé par sa seule intuition.  Au prix d'une lente gestation, son travail sur les négatifs évolue au fil des années. Montages, juxtapositions, multiples expositions, surimpressions, Ray K. Metzker ne fixera aucune limite à sa créativité.

Après la mort de son père, Jean Moral est placé au pensionnat et occupe son temps libre à dessiner. A l'âge de 17 ans, en 1925, il découvre la photographie et cherche à capter les lieux et les gens qui lui sont chers dans la peur de la perte, souffrance de son enfance.  Jean Moral pratique la photographie avec un œil nouveau et en autodidacte.
Selon sa fille, « Jean Moral, pupille de la nation après la mort de son père en 1914, est un écorché vif d'une immense sensibilité? Sa vision ne peut être que celle d?un univers libre. Il aime le naturel et l'instantané. Il cadre quasiment tous ses tirages dans l?émotion de la visée. Le fabricant Rolleiflex ne s'y est pas trompé qui le choisit pour le présenter, dans ses publicités, comme l'exemple du photographe du mouvement et de la prise de vue directe. »
Jean Moral vagabond, déambulateur, son Rolleiflex  toujours à portée de main, reste ce photographe de l'extérieur. La contre-plongée, les gros plans, les jeux d?angles habitent nombre de ses photographies, le sujet n'est que prétexte à composition. Les premières années, il travaille dans son laboratoire à transformer ses prises de vues extérieures par la solarisation, la surimpression. Ses cadrages sont  bien souvent ceux réalisés sur le motif vivant, rarement dans la chambre noire. Homme du plein air, il est l'un des premiers à mettre les mannequins dans la rue pour la mode, jouant de l'espace urbain pour dynamiser et apporter l'énergie de la ville au cœur d'un métier qui se pratique jusqu'alors en studio. Son travail, remarqué par la papesse de la mode américaine Carmell Snow, lui permettra d?être le seul français sous contrat chez Harper's Bazaar et de couvrir durant des années les collections parisiennes pour ce grand magazine de mode.
Grand sportif et adepte de la vie au grand air, comme Boucher et Steiner, il développe son style dans ces prises de vues de plage, de montagne, à la piscine Deligny, etc., qui seront publiées dans Paris magazine durant une décennie.
Dans ses prises de vue, il vise à un maximum d'expression par l'emploi de perspectives insolites. Il s?empare du monde en le photographiant de manière inédite : en très gros plans, basculé par la contre-composition, en vue aérienne, par la plongé ou contre-plongée. Il serre les cadrages jusqu'à faire de la limite un élément essentiel, interne à la composition.

Sophal Neak est née au Cambodge en 1989. Elle est diplômée de la Royal University of Fine Arts et est considérée comme l'un des talents émergents de la scène artistique cambodgienne, ayant une vision franche et déterminée. Au cours des quatre dernières années, elle a participé activement à un grand nombre d'ateliers, d'expositions et de concours au niveau local et international, comme le festival Photo Phnom Penh en 2015 ou Angkor Photo en 2014.

Marvin E. Newman (né en 1927) est l'un des premiers à avoir été diplômé d'une maîtrise en photographie à l'Institute of Design de Chicago. Natif de New York, il exercé comme photographe sportif pour Life, Look et Sports Illustrated. Son œuvre a été saluée par des institutions comme la Eastman House, le MoMA et le Centre international de photographie (ICP).

Depuis le début des années 1980, Paul Pouvreau développe un travail photographique où il met en scène des objets ordinaires et insignifiants : ustensiles ménagers, cartons, sacs plastiques, poussière... Il s?agit pour lui « de porter une attention à ces petits riens dans lesquels se loge souvent presque tout ». Son ?uvre est également traversée par un personnage au visage toujours imperceptible, traité de manière anonyme et sur le même plan que les objets. Si Paul Pouvreau se nourrit du réel, il puise également dans l?Histoire de l?Art et met en scène ses photographies sous formes d?installations. Car ce qui l?intéresse, c?est la manière dont les signes visuels qu?il choisit (logos, formes variées d?emballages) dialoguent avec l?espace du quotidien et celui de l?exposition. Interrogeant sans cesse la question de l?image et de sa représentation, son travail artistique se déploie également à travers une pratique du dessin et du collage.

André Steiner obtient un diplôme d'ingénieur électricien à Vienne (Autriche) où il a émigré de sa Hongrie natale à la suite de la première guerre mondiale. Il pratique la photographie en amateur dès 1924 et assiste à la Technische Hochschule le professeur docteur Josef Maria Eder, qui est aussi le président de la Société photographique de Vienne. 

« Encore étudiant en 1924 et travaillant dans un laboratoire de technologie des matières, il eut entre les mains un des premiers 400 Leica, mis par Leitz à la disposition de certains centres d?études? Dès 1928, il devenait propriétaire d?un Leica et six ans après, maitrisant parfaitement la nouvelle technique, il était photographe.»

Il arrive à Paris en 1928 et travaille comme ingénieur à la Société Alsthom jusqu'en 1932. C'est en 1933 qu'il installe son premier studio de photographie.
Dans ses premières années de recherches, presque en scientifique, Steiner exploite le potentiel technique de la photographie (distorsion, solarisation , surimpression), cherchant à faire parler la matière photographique. Grand sportif - champion du décathlon aux jeux universitaires mondiaux en 1928 -, il photographie le monde sportif, le corps en mouvement, dans l'espace libéré de l'apesanteur.

Il continuera à poursuivre ses recherches plastiques autour du nu, fidèle à ses premiers travaux avec sa jeune épouse Lilly. Ces nus du milieu des années trente délaissent la pose classique à la recherche d'une composition où chaque partie du corps rentre en tension. Le corps n'est plus défini par ses courbes extérieures, son enveloppe ; Steiner en recherche plutôt son architecture intérieure, ses tensions, et met en relief sa construction. Une forme d'architecture corporelle, à l'instar de ces nouvelles structures de métal qui envahissent l'espace moderne.

Homer Sykes fait partie de la talentueuse génération de photographes britanniques tels que Martin Parr, Chris Killip, Graham Smith ou Chris Steel Perkins ou encore Tony Ray-Jones ; une génération qui, d?emblée, envisage la photographie en terme de style et fait valoir des choix esthétiques, à mi-chemin entre information et création.

Michael Houlette

Depuis 1942, l'œuvre de Sabine Weiss n'a cessé de s'enrichir. Elle aborde tous les genres, sans aucune exclusive. Certes, Sabine Weiss aime photographier les enfants, mais limiter son œuvre au monde de l'enfance serait une grave erreur. Elle refusera toujours l'anecdote au profit de la sensation, « celle qui consiste à capter l'expression des sentiments ».  Quant à l'étiquette de « photographe humaniste », si elle ne la réfute pas, elle lui semble bien réductrice. Femme inclassable et farouchement indépendante, passionnée de peinture, Sabine Weiss est toujours là où on ne l'attend pas.

Formé à l'université de Rochester, Bruce Wrighton n'est pas un reporter à la volée ni un commentateur social. Il bavarde avec ses modèles, il les met à l'aise. Avec eux et sa chambre 20x25, il quête l'endroit idéal pour la pose, souvent un coin de mur. Ses portraits donnent le sentiment d'être en volume, comme des sculptures. Dans sa série titrée Dinosaurs and Dreamboats, il a la même façon de saisir les voitures dans leur décor, de tourner autour avant de les immobiliser.

Avec les outsiders, les voitures ou les lieux publics, bars et églises réunis dans St George and the Dragon, sa troisième série, Wrighton cherche finalement à dévoiler la spiritualité du quotidien. Insensible à tout ce qui brille, il est le témoin privilégié d'un fragment d'Amérique des années Reagan, qu'il rend intemporel.

Brigitte Ollier

Extrait de l'article Les désunis d'Amérique, paru dans Libération le 17 novembre 2010